De lo “primitivo” a lo profundo: El arte y la lengua indígenas a principios del siglo XX
Pintura de Oqwa Pi en su casa de San Ildefonso Pueblo, hacia 1930 (Colección de manuscritos de John Sloan, Biblioteca y Archivos Helen Farr Sloan, Museo de Arte de Delaware, DAM_JS_ORG_42_01_01).
¿Qué es el arte? ¿Quién decide qué es arte? ¿Qué es lo primitivo? ¿Qué es lo profundo? Estas fueron algunas de las preguntas que surgieron mientras investigaba sobre la Exposición de Arte Tribal Indio de 1931, durante mi estancia como pasante universitaria de la NASI en la Sociedad Filosófica Americana (APS).
Mi formación en arte e historia fue lo que despertó mi interés por esta investigación. Como estudiante de último año en la Universidad Estatal del Sureste de Oklahoma, donde curso la doble titulación en diseño gráfico e historia, y como artista indígena que soy, este tema me resulta muy personal. El cambio en la forma de referirse al arte indígena, desde su caracterización como “primitivo” hasta su reconocimiento como “profundo”, es el eje central de mi estudio.
Durante mis primeras semanas en la APS, encontré correspondencia relacionada con la exposición en los documentos de Frank Speck. (Imagen II. Correspondencia entre Frank Speck y Oak Liston). Me intrigó y pronto me vi sumergida en una maraña de documentación que me permitió formarme una idea de qué era este evento y cómo funcionaba. El Museo de Arte de Delaware alberga los documentos de John Sloan. Sloan fue presidente de la exposición y conservó registros meticulosos de la correspondencia, los recibos y pequeñas obras de arte relacionadas con el evento. Visité la colección y pude examinarla de primera mano. Gracias a este recurso, descubrí que la Exposición de Arte Tribal Indígena de 1931 recorrió 14 ciudades de Estados Unidos entre 1931 y 1933 y exhibió más de 600 piezas de arte indígena, desde cestas hasta acuarelas. (Imagen I. Cartel original de la exposición, obra del artista Oqwa Pi). Esta exposición cambió radicalmente el lenguaje utilizado en torno al arte “primitivo” y la forma en que se percibía en el mundo de las bellas artes. Las exposiciones anteriores de arte indígena solían presentarlas como curiosidades o rarezas que no merecían el mismo reconocimiento que “las bellas artes” occidentales. Tal y como señaló el conservador de Etnología del Museo de Brooklyn, Herbert Spinden: “El objetivo de la Exposición de Arte Tribal Indígena, organizada recientemente, es conseguir para los artistas y artesanos indígenas el reconocimiento que se merecen”. (Imagen III. Vitrina de la exposición).
A medida que avanzaba en mi investigación, me sorprendió mi propia ignorancia respecto a la existencia de esta exposición. Entre las figuras influyentes relacionadas con esta muestra se encuentran grandes nombres como Charles G. Dawes, vicepresidente bajo el mandato de Calvin Coolidge, la familia Rockefeller y la Señora Herbert Hoover. Me enorgullece ser miembro de la Nación Chickasaw, nací y crecí en Oklahoma, y estudio en Durant, Oklahoma, la capital de la Nación Choctaw. Además, soy estudiante de arte e historia. De entre todas las personas que deberían estar al tanto de un evento como este, con figuras tan influyentes, yo tendría que ser una de ellas.
Por supuesto, durante mi investigación me surgieron muchas preguntas, pero hubo una en particular que cobró especial relevancia. A lo largo de la numerosa correspondencia, los extractos bancarios y los catálogos de objetos, los organizadores se referían a la exposición como la primera muestra de arte indígena por su valor “puramente estético” (Imagen IIII. Catálogo de “Introducción al arte de los indios americanos”). Este lenguaje me pareció intrigante, pero poco auténtico. Desde una perspectiva indígena, el arte rara vez es puramente estético, ya que conlleva de forma inherente un significado y un propósito. Creo que hay varios aspectos que se muestran en la propia exposición y que reflejan esto. A menudo, el arte indígena es a la vez material y utilitario. Tomemos como ejemplo los intrincados motivos del tejido de cestas apaches. (Imagen V. Cesta apache expuesta en la exposición.) La destreza artesanal y la complejidad de estos diseños pueden considerarse sin duda bellas artes, pero aun así servían como objetos funcionales de uso cotidiano dentro de la comunidad. Además, tanto los motivos como los colores transmiten significado a través de la representación visual. Por ejemplo, en la cultura chickasaw, los colores rojo y blanco simbolizaban dos facetas importantes de la vida tribal. El blanco representaba la paz y el orden, mientras que el rojo representaba el peligro, la sangre y la guerra. Se necesita un equilibrio entre ambos atributos para llevar una vida buena y equilibrada. Al presentar el arte indígena como algo puramente estético, se puede, sin querer, restar importancia a su propósito y significado.
Con el fin de continuar mi investigación sobre esta y otras cuestiones que surgieron durante mi estancia en la APS, así como para ofrecer una plataforma de fácil acceso que permita a la gente informarse al respecto, he creado una página web que contiene documentación e imágenes procedentes de archivos y museos de todo el país con información sobre esta exposición. Esta página web ofrece una plataforma para compartir mi investigación en curso de una manera fácilmente accesible.
En general, esta exposición, y la oportunidad que se me brindó de investigar sobre ella, han tenido una profunda influencia en mí. Se trata del primer reconocimiento a gran escala del arte nativo americano como algo de gran valor. Como artistas, especialmente los indígenas, nuestro trabajo suele estar infravalorado. La expresión «artista hambriento» es lo primero que me viene a la mente cada vez que surge la conversación sobre una carrera en el mundo del arte. Sin embargo, esta exposición sirve como un recordatorio constante de que el arte indígena es importante, no solo en los espacios indígenas, sino en el seno de la sociedad en su conjunto. Esto es lo que me inspira a continuar mi trabajo sobre este tema y a compartirlo con los demás.
Yakoke. (Gracias.)